Презентація "Клаудио (Джованни Антонио) Монтеверди"

+1
Попередній слайд
Наступний слайд


Завантажити презентацію "Клаудио (Джованни Антонио) Монтеверди"
Слайд #1
Кла́удио (Джова́нни Анто́нио) Монтеве́рди (итал. Cláudio (Giovánni António) Montevérdi; 15 мая 1567 (крещен в этот день), Кремона — 29 ноября 1643,Венеция) — итальянский композитор.
Творчество Монтеверди, во многом новаторское, в истории музыки знаменует переход от эпохи Возрождения к эпохе барокко. Работал во многих жанрах светской и церковной музыки. Наиболее примечательны его мадригалы и оперы, в том числе опера Орфей, которая исполняется и в наши дни.
Клаудио (Джованни Антонио) Монтеверди


Слайд #2


Слайд #3
Творчество и стиль
Творчество Монтеверди представлено тремя группами произведений: мадригалы, оперы и духовная музыка. Главная особенность композиционной техники Монтеверди — сочетание (нередко в одном произведении) имитационной полифонии, характерной для композиторов позднего Возрождения, и гомофонии, достижения новой эпохи барокко. Новаторство Монтеверди вызвало резкую критику со стороны видного теоретика музыки Джованни Артузи, в полемике с которым Монтеверди (и его брат Джулио Чезаре) обозначили свою приверженность так называемой «второй практике» музыки. Согласно декларации братьев Монтеверди, в музыке второй практики безраздельно господствует поэтический текст, которому подчиняются все элементы музыкальной речи, прежде всего, мелодия, гармония и ритм. Именно текст оправдывает любые нерегулярности последних. В Венеции композитор нашел благоприятную атмосферу для либретто с историческими сюжетами, продвинувшихся по пути поисков «правды», или, во всяком случае, с сюжетами, располагающими к психологическим исследованиям.
Мадригалы
До 40 лет Монтеверди работал преимущественно в жанре мадригала (всего 8 сборников ["книг"]; девятый, неавторский, сборник издан посмертно). Работа над первой книгой, состоящей из 21 пятиголосного мадригала, заняла около 4х лет. Первые восемь книг мадригалов представляют громадный скачок отполифонии Ренессанса к монодии, характерной для музыки Барокко.
Мадрига́л (итал. madrigale, от лат. matricale — <сочинение> на родном (материнском) языке) — небольшое музыкально-поэтическое произведение, обычно любовно-лирического содержания.
* Одна из частей мадригала «Lamento della Ninfa »- Жалоба или Плач Нимфы из сборника «Воинственные и любовные мадригалы» Этот мадригал состоит из трёх частей, сам плач - во второй. Две другие - для хора, повествующего о страдающей нимфе.


Слайд #4
— опера Клаудио Монтеверди на итальянском языке, созданная в 1607 году, считающаяся, одним из самых значительных музыкальных произведений на тему древнегреческого мифа об Орфее. Премьера «Орфея» состоялась 24 февраля 1607 года в Мантуе. Написана в 1607 году для представления при мантуанском дворе во время традиционного ежегодного карнавала. «Орфей» относится к числу тех ранних опер, которые регулярно ставятся в настоящее время на мировой музыкальной сцене.
Несомненно «Орфей» является самым ярким утверждением в Италии вокального и драматического стиля начала XVII века. Его значение определяется театральностью, большой насыщенностью эффектами, в том числе оркестровыми, чувствительными обращениями и заклинаниями, в которых напевная декламация флорентийцев (весьма обогащенная эмоциональными взлетами) словно борется с многочисленными мадригальными вставками, так что пение Орфея являет почти классический пример их состязания.
«Орфей»


Слайд #5
Джузе́ппе Фортуни́но Франче́ско Ве́рди (итал. Giuseppe Fortunino Francesco Verdi, 10 октября 1813 года, Ронколе близ города Буссето, Французская империя — 27 января 1901 года, Милан, Италия)  — великий итальянский композитор, творчество которого является одним из крупнейших достижений мирового оперного искусства и кульминацией развития итальянской оперы XIX века.
Композитором созданы 26 опер и один реквием. Лучшие оперы композитора: «Бал-маскарад», «Риголетто», «Трубадур», «Травиата». Вершина творчества — последние оперы: «Аида», «Отелло», «Фальстаф».
Джузеппе Фортунино Франческо Верди


Слайд #6


Слайд #7
Стиль
Предшественники Верди, повлиявшие на его творчество — Россини, Беллини, Мейербер и, самый важный — Доницетти. В двух последних операх, Отелло и Фальстаф, заметно влияние Рихарда Вагнера. Уважая Гуно, которого современники считали величайшим композитором эпохи, Верди тем не менее не позаимствовал ничего у великого француза. Некоторые пассажи в «Аиде» указывают на знакомство композитора с вещами Михаила Глинки, которого Ференц Лист популяризировал в Западной Европе, вернувшись из турне по России.
На протяжении всей карьеры Верди отказывался использовать высокое «до» в теноровых партиях, ссылаясь на то, что возможность спеть именно эту ноту перед полным залом отвлекает исполнителей и до, и после, и во время исполнения ноты.
Несмотря на то, что временами оркестровка у Верди мастерская, композитор полагался в основном на свой мелодический дар для выражения эмоций героев и драматизма действия. В самом деле, очень часто в операх Верди, особенно во время сольных вокальных номеров, гармония намеренно аскетическая, и весь оркестр звучит, как один аккомпанирующий инструмент (Верди приписываются слова: «Оркестр — большая гитара!» Некоторые критики утверждают, что Верди уделял техническому аспекту партитуры недостаточно внимания, поскольку ему недоставало школы и утонченности. Сам Верди сказал как-то, «Из всех композиторов я — самый малознающий». Но поспешил добавить, «Я это серьёзно говорю, но под „знаниями“ я подразумеваю вовсе не знание музыки».
Тем не менее, было бы неверным утверждать, что Верди недооценивал выразительную силу оркестра и не умел использовать её до конца, когда ему это было нужно. Более того, оркестровое и контрапунктное новаторство (например, струнные, взлетающие по хроматической гамме в сцене Монтероне в «Риголетто», дабы подчеркнуть драматичность ситуации, или, тоже в «Риголетто», хор, мычащий близкостоящие ноты за кулисами, изображая, весьма эффектно, приближающуюся бурю) — характерно для творчества Верди — характерно настолько, что другие композиторы не посмели позаимствовать у него некоторые смелые приёмы из-за их мгновенной узнаваемости.
Верди был первым композитором, специально занимающимся поиском такого сюжета для либретто, который бы лучше всего отвечал особенностям его композиторского дарования. Работая в тесном сотрудничестве с либреттистами и зная, что именно драматическая экспрессия является главной силой его таланта, он добивался устранения из сюжета «ненужных» деталей и «лишних» героев, оставляя лишь персонажи, в которых кипят страсти, и богатые драматизмом сцены.


Слайд #8
Сергей Яковлевич Лемешев (Ария Герцога .Опера "Риголетто" Д. Верди)
Риголе́тто (итал. Rigoletto) — опера в трёх актах Джузеппе Верди, написанная в 1850—1851 годах.
« Риголетто »
История создания
Опера была задумана по мотивам пьесы Виктора Гюго «Король забавляется» (1832). Пьеса была запрещена цензурой как подрывающая авторитет королевского двора. Итальянское либретто было написано Франческо Мария Пьяве, сотрудничавшим с Джузеппе Верди много лет. По требованию цензуры, исторический король был заменён неким герцогом, а безобразный шут Трибуле — Риголетто. Поначалу шута предполагалось сделать традиционным оперным красавцем.
Премьера оперы состоялась 11 марта 1851 года в Фениче, Венеция.


Слайд #9
Дарио Марианелли (итал. Dario Marianelli; род. 21 июня 1963 года, Пиза, Италия) — итальянский кинокомпозитор, дирижёр, пианист.
Марианелли родился в Пизе, Италии. Он создал саундтреки к фильмам «Братья Гримм» (2005), «Гордость и предубеждение» (2005), «Искупление» (2007) и «Анна Каренина» (2012), за которые, три последних, получил номинации на «Оскар» за лучшую музыку, написанную для фильма. В 2008 году Марианелли выиграл «Оскар» и «Золотой глобус» за музыку к фильму «Искупление».
Дарио Марианелли


Слайд #10
Биография
Дарио Марианелли – представитель нового поколения кинокомпозиторов. Учился игре на фортепиано и композиторскому искусству во Флоренции и Лондоне. Всегда заметно выделялся на фоне своих однокурсников, являлся стипендиатом множества уважаемых музыкальных фондов. Стипендии и гранты дали ему возможность пройти стажировку, посвященную музыке в европейских фильмах, в Германии. А также проучиться три года в Национальной школе кино и ТВ.


Слайд #11


Слайд #12
Роберто Каччапалья - современный итальянский композитор. Родился 1 января 1953 года в Милане, закончил Миланскую консерваторию имени Джузеппе Верди. Является композитором-новатором, который ищет новые формы на стыке классической и электронной музыки. Каччапалья принято относить к направлению минимализма в музыке, хотя этот термин вызывает разногласия среди композиторов и критиков.
Роберто Каччапалья


Слайд #13
Алекса́ндр Сеза́р Леопо́льд Бизе́ (фр. Alexandre-César-Léopold Bizet, при крещении получил имя Жорж, фр. Georges; 1838—1875) — французский композитор периода романтизма, автор оркестровых произведений, романсов, фортепианных пьес, а также опер, самой известной из которых стала «Кармен».
Жорж Бизе


Слайд #14


Слайд #15
Биография
Бизе родился 25 октября 1838 года в Париже в семье учителя пения. Он был зарегистрирован под именем Александр-Сезар-Леопольд Бизе, но при крещении получил имя Жорж, под которым и был известен в дальнейшем. Бизе поступил в Парижскую консерваторию за две недели до того, как ему исполнилось десять лет.
В 1857 году он разделил с Шарлем Лекоком премию на конкурсе, организованном Жаком Оффенбахом, за оперетту «Чудесный доктор» и получилРимскую премию, что позволило ему прожить в Риме в течение трёх лет, сочиняя музыку и занимаясь своим образованием. Отчётным произведением (написание которого было обязательным для всех лауреатов Римской премии) стала опера «Дон Прокопио». За исключением проведённого в Риме периода, Бизе прожил всю свою жизнь в Париже.
После пребывания в Риме он вернулся в Париж, где посвятил себя написанию музыки. В 1863 году он написал оперу «Искатели жемчуга». В этот же период он написал «Пертскую красавицу», музыку к пьесе Альфонса Доде «Арлезианка» и произведение для фортепиано «Детские игры». Также он написал романтическую оперу «Джамиле», обычно рассматриваемую, как предшественницу «Кармен», и симфонию до минор. Сам Бизе забыл о ней, и о симфонии не вспоминали до 1935 года, когда она была обнаружена в библиотеке консерватории. Симфония замечательна своим стилистическим сходством с музыкой Франца Шуберта, которая в тот период почти не была известна в Париже, за исключением, быть может, нескольких песен. В 1874—1875 годах композитор работал над «Кармен». Премьера оперы состоялась в парижском театре «Опера-Комик» 3 марта 1875 года и закончилась провалом. Свою Вторую симфонию, «Рим», Бизе не завершил.
3 июня 1869 года Бизе женился на младшей дочери своего покойного учителя Жака Фроменталя Галеви — Женевьев Галеви (1849—1926), которая приходилась кузиной либреттисту Бизе Людовику Галеви. Их сын — Жак Бизе (1872—1922, покончил жизнь самоубийством), названный в честь деда, был близким другом, одноклассником и конфидантом Марселя Пруста, а сама Женевьев послужила одним из прототипом куртизанки Одетты де Креси и герцогини Орианы де Германт в многотомном романе Пруста «В поисках утраченного времени».
Умер Жорж Бизе 3 июня 1875 года от сердечного приступа. Похоронен в Париже на кладбище Пер-Лашез.


Слайд #16
«Кармен».История создания, премьера и первые отзывы
Жорж Бизе начал работать над разговорной оперой «Кармен» в 1874 году. Премьера «Кармен» состоялась во Франции в городе Париже в театре «Опера-Комик» 3 марта 1875 года и закончилась полным провалом. Даже парижане, считавшиеся искушёнными зрителями, оказались не готовы к подобному реализму на сцене. Столичные французские газеты соревновались в хлесткости критических отзывов об опере «Кармен»:
В повести, действительно, гибель Кармен есть лишь справедливое возмездие за все те преступления, на которые она наталкивает Хозе, это месть за всех тех, кого она заставила убить; здесь же (в опере), наоборот, Кармен никогда не была виновницей чьего бы то ни было убийства. Единственная её вина — в том, что она совратила с прямого пути склонного к любовным авантюрам солдата, и она является почти невинной жертвой, в то время как истинный преступник — её убийца.
Скромные матери, почтенные отцы семейства! С верой в традицию вы привели ваших дочерей и жен, чтобы доставить им приличное, достойное вечернее развлечение. Что испытали вы при виде этой проститутки, которая из объятия погонщика мулов переходит к драгуну, от драгуна к тореадору, пока кинжал покинутого любовника не прекращает её позорной жизни.
Но, как нередко случается, именно такие рецензии создали «Кармен» огромную популярность и только на сцене парижской Комической оперы только в премьерный сезон, прошло не менее пятидесяти спектаклей. Тем не менее «Кармен» надолго исчезла с парижских подмостков и была возобновлена лишь в 1883 году в редакции Эрнеста Гиро(Гиро заменил разговорные диалоги речитативами, а также добавил несколько балетных сцен, использовав музыку из других произведений Жоржа Бизе). В немалой степени, возвращению оперы на парижскую сцену способствовало триумфальное шествие оперы «Кармен» по городам Европы, России и Америки. Ещё в 1880 году русский композитор Пётр Ильич Чайковский напишет:
Опера Бизе — шедевр, одна из тех немногих вещей, которым суждено отразить в себе в сильнейшей степени музыкальные стремления целой эпохи. Лет через десять «Кармен» будет самой популярной оперой в мире…
Слова Чайковского оказались пророческими. Опера «Кармен» и по сей день является одним из самых популярных театральных представлений.
В 1967 году Родионом Щедриным с использованием музыкального материала оперы была написана «Кармен-сюита».


Слайд #17


Слайд #18
Серге́й Серге́евич Проко́фьев (1891 — 1953) — пианист и дирижёр, один из наиболее значительных композиторов XX века. Народный артист РСФСР (1947). Лауреат Ленинской (1957 — посмертно) и шести Сталинских премий (1943, 1946 — трижды, 1947, 1952). Серге́й Серге́евич Проко́фьев (1891 — 1953) — пианист и дирижёр, один из наиболее значительных композиторов XX века. Народный артист РСФСР (1947)/ Лауреат Ленинской (1957 — посмертно) и шести Сталинских премий (1943, 1946 — трижды, 1947, 1952).
Прокофьев Сергей  Сергеевич


Слайд #19


Слайд #20
Прокофьев вошёл в историю советской и мировой музыкальной культуры как композитор-новатор, создавший глубоко самобытный стиль, свою систему выразительных средств. Творчеству Прокофьева в высшей степени присущи действенность и активность. В его произведениях преобладает эпическое начало. Яркой индивидуальностью отмечена лирика Прокофьева — вдохновенная, глубокая и вместе с тем внутренне сдержанная, кристально чистая. В процессе развития творчества Прокофьева всё яснее выявлялись его тесные связи с традициями русской музыки (М. П. Мусоргского, А. П. Бородина, Н. А. Римского-Корсакова). Присущая композитору острая наблюдательность сделала его одним из выдающихся мастеров музыкального портрета, сочетающего внешнюю характерность с психологической правдивостью. Это предопределило главную роль сценических жанров в творчестве Прокофьева. Стремясь к сценическому реализму, преодолению статики и др. оперно-балетных условностей, Прокофьев значительно усилил в балете роль пантомимы, в опере отказался от стихотворного либретто, заменив его повсюду свободным прозаическим текстом. Прокофьев существенно обогатил сферу вокальной выразительности в опере за счёт широкого использования декламационности, основанной на гибком претворении речевых интонаций. Для опер Прокофьева характерны жанровая многозначность и многоплановость драматургии. Так, «Война и мир» сочетает в себе черты лирико-психологической драмы и народно-героической эпопеи. Большое место в творческом наследии Прокофьева занимают фортепьянные сочинения, в которых своеобразно преломились особенности пианизма Прокофьева: конструктивная ясность формы и фактуры, отчётливость звучания, инструментальная трактовка фортепьянного тембра, упругость и энергия ритма. Симфонические (симфонии, увертюры, сюиты) и вокально-симфонические (оратории, кантаты) произведения также в целом отразили характерную для Прокофьева эпическую направленность. Большинству из них присущи объективность, повествовательность тона, драматургия, основанные не на столкновении, а на сопоставлении контрастных образов.
  Творчество Прокофьева составило эпоху в мировой музыкальной культуре 20 в. Самобытность музыкального мышления, свежесть и своеобразие мелодики, гармонии, ритмики, инструментовки композитора открыли новые пути в музыке и оказали мощное воздействие на творчество многих советских и зарубежных композиторов. В 1955—67 изданы 20 томов собраний музыкальных сочинений композитора.
Творчество


Слайд #21
«Ромео и Джульетта» (op. 64) — балет в 3 актах 13 картинах с прологом и эпилогом Сергея Прокофьева. Либретто Адриана Пиотровского, Сергея Прокофьева и Сергея Радлова по одноимённой трагедии Уильяма Шекспира. Премьера балета состоялась в 1938 г. в Брно (Чехословакия). Широкую известность, однако, получила редакция балета, которая была представлена в Кировском театре в Ленинграде в 1940 г. «Ромео и Джульетта» Прокофьева — один из самых популярных балетов двадцатого столетия.
История
«Ромео и Джульетта»
В сотрудничестве с режиссёром Сергеем Радловым и драматургом Адрианом Пиотровским, Прокофьев создал драматическую основу балета и сочинил к нему музыку в 1935 г. Они написали сценарий в четыре акта со счастливым концом, который резко отличался от финала знаменитой шекспировской трагедии. Эта редакция балета, однако, так и не дошла до постановки. В начале 1936 г. «Правда» осудила два произведения Дмитрия Шостаковича в статьях «Сумбур вместо музыки» и «Балетная фальшь». Эти статьи испугали композиторов и изменили творческую атмосферу в сталинском Советском Союзе. Прокофьев и его соавторы изменили сценарий и ввели традиционный трагический конец.
Премьера состоялась только через несколько лет. Изначальный договор с Кировским театром выполнен не был, и заказ на балет перешёл к Большому театру, который тоже отменил постановку после кампании 1936 г. В конце концов премьера состоялась за границей в декабре 1938 г., в Брно в отсутствие композитора. Балетмейстер Леонид Лавровский поставил советскую премьеру в январе 1940 г. после грандиозного успеха постановки в Брно. Несмотря на возражения Прокофьева, Лавровский значительно изменил партитуру балета. Спектакль был удостоен Сталинской премии.
Балет в редакции Лавровского ставился в Москве в 1946 г., в Большом театре. В 1955 г. Мосфильм снял сокращённую киноверсию балета. Другие балетмейстеры, такие как Джон Крэнко в 1962 г., Кеннет Макмиллан в 1965  г., и Рудольф Нуриев в 1972 г., со временем создали новые постановки балета.
В июле 2008 г. состоялась премьера изначальной авторской редакции 1935-го года. Премьера прошла на музыкальном фестивале Колледжа Бард (англ. Bard Music Festival) в Нью-Йорке, США. Балетмейстером был Марк Моррис (Mark Morris). Эта постановка возродила состав, драматическую структуру и счастливый конец партитуры Прокофьева, которая раньше была неизвестна. После нью-йоркской премьеры возрождённый балет в рамках гастрольного турне был показан в Беркли, Норфолке, Лондоне и Чикаго.
Галина Уланова и Юрий Жданов, 1954


Слайд #22